Davide Squillace：声音创新、打破边界的音乐之路

从那不勒斯走向世界顶级舞台，Davide Squillace 以对录音室工作的深沉热爱与令人难忘的DJ表演，构筑了自己独特的音乐生涯。他以充满张力的音乐风格和协作精神闻名业界，不仅在全球顶尖场馆DC-10、WOMB、Ushuaia Ibiza留下艺术足迹，更主导了"Better Lost Than Stupid"与"Blender"等创作项目。

Davide，多年来我们一直是您的忠实乐迷，有幸多次欣赏过您的现场演出。对于那些还不熟悉您音乐生涯的听众，能否分享一下您从接触电子音乐到成为国际舞台中坚力量的历程？

Davide：和许多人一样，我的音乐之旅始于家乡。那时那不勒斯到处弥漫着电子音乐的氛围，我和朋友们开始流连于当地的俱乐部。每当经历精彩的夜晚后，我总会追查当晚表演艺人的信息——就这样逐渐认识了不同DJ和音乐流派。15岁那年，我筹办了人生第一场派对活动。

随着时间推移，我身边几乎所有的朋友都成了DJ或音乐制作人。很自然地，我也开始尝做DJ，没想到一上手就特别得心应手。我沉醉于黑胶唱盘之间，将两三条音轨融合成全新作品，用整晚时间通过音乐讲述故事。后来我买了第一台鼓机、第一台电脑，开始尝试制作节拍，发行首张唱片，并在本地进行常规驻场演出——虽然报酬微薄。

机缘巧合下，我引起了Circoloco团队的注意并开始在那里演出。要知道，能在这样的顶级俱乐部表演——只要表现够好——就等于拿到了通往世界舞台的通行证。但说实话，即便在演出期间，我最大的乐趣始终源自录音室的创作。可以说我本质是制作人而非DJ——录音室才是我的主场。当然DJ与制作本就相辅相成：你在工作室创作音乐，通过演出呈现它们，而俱乐部的现场反馈又会反过来激发新的创作灵感。

那不勒斯、伦敦和巴塞罗那在你的音乐旅程中扮演了关键角色。在那不勒斯这座以音乐人才辈出而闻名的城市长大，这些城市是如何在岁月流转中塑造您的音乐风格与艺术表达的？

Davide：那不勒斯最妙的地方在于，你随处都能听到电子、鼓打贝斯、爵士乃至本土音乐——任何流派应有尽有。我们当时组建的音乐团队里，走出了许多如今享誉全球的艺术家。

我内心一直渴望去往异乡，置身更国际化的环境，让自己沉浸于全然不同的生活理念与文化氛围。正是在那时我领悟到：每个人固然拥有自己的"真理"，但这种认知实则深受所处环境的影响。

作为音乐人，你的本质会折射在作品之中——无论是音乐创作、行为方式、生活态度，还是演出时与俱乐部观众的互动。后来我因Paco Osuna迁居巴塞罗那，如今这座城市已成为我生活二十年的家园。我钟爱这里，因为音乐界的同仁迟早都会在此驻足交流，从某种意义上说，它堪称绝佳的文化熔炉。

从Ultra到DC10再到fabric，您曾在一些全球最具标志性的音乐节和俱乐部演出。无论是作为DJ还是音乐制作人，哪些时刻是您职业生涯中最具决定性的节点？

Davide：毫无疑问，第一次在DC-10的露台演出的经历，以及在巴西Rock in Rio这样超大规模音乐节的演出都令我难忘。还有东京WOMB俱乐部的夜晚——当然肯定漏掉了某些重要场次，怕是要得罪朋友了。南美Creamfields音乐节同样堪称精彩。

创立"Better Lost Than Stupid"、“Blender”、“Sketch”等国际项目，您的合作形式极具多样性。这些合作经历对您的个人创作产生了怎样的启发或挑战？

Davide：这确实是把双刃剑。就拿"Better Lost Than Stupid"来说，最初只是纽约某个音乐节邀请我们："要不要试试背靠背演出？"于是我们进行了几场这样的表演。既然都是音乐制作人，我们自然想到：何不一起进录音棚创作？

但关键在于，这个组合不应该只是我们个人风格的简单叠加，而需要创造出全新的声音。问题在于，开展这样的合作项目，某种程度上意味着要暂时搁置个人事业——因为这俨然成了第二职业，会占据你全部的时间。这是我们始料未及的。虽然最初都觉得自己能同时兼顾两条线，但现在看来不过是出于"什么都想做好"的贪心。最终必然有一方会受到影响。

尽管我非常享受这段经历：热爱这个团队，无论是视觉呈现还是音乐本身都让我倾心——但确实无法两头兼顾。我始终热爱与人合作创作的过程，这总能带来新的灵感。通过合作能学到太多：不仅是技术手法，还有他们对音乐的理解方式，以及如何将概念落地。因为有了音乐创意之后，更需要的是执行能力。

在创意与成品之间存在着技术实现的过程，而合作恰恰能打开你的思维，让你接触全新的工作方式。无论从人际层面还是技术层面，这都是我无比珍视的体验。

当您进入录音室时，通常如何开启创作过程？是会带着特定的灵感构思或音色方向开始，更倾向于让创意自然流淌？另外，您是否觉得录音室创作与现场演出之间存在某种共通之处？

Davide：我并不拘泥于单一创作模式。事实上，我越来越意识到即兴创作会拖慢进度——但我很享受这种状态。见过不少音乐人用固定模式处理每首作品，虽然成品各不相同，但我更喜欢即兴带来的意外惊喜。这种创作方式反而更接近真正演奏乐器的本质。

有时我也会设定核心元素，比如先构思贝斯线或节奏型，但我更希望创作过程自然流淌，让音乐本身向我展现能产生共鸣的内容。音乐创作包含两个层面：先是情感层面的迸发，随后进入理性构建——这时我会审视已有素材：这些音色元素如同不同角色，它们将如何对话？如何相互作用？最终会讲述怎样的故事？

就像设定警察与窃贼的角色，配备房屋或银行等场景，但关键在于这些元素在曲目时间线中会产生怎样的化学反应？

至于制作与演出的共通性，录音室创作与俱乐部表演既是截然相反的体验，又存在深刻共鸣。两者相互滋养，最终形成知识体系的循环注入

您的作品往往拥有极具辨识度的音色特质。能否为我们解析您在声音设计上的创作理念？特别是如何通过特定技法，为音乐注入那种标志性的空间纵深与质感层次？

Davide：这个问题其实很难回答。我甚至不确定自己是否拥有标志性音色，但确实痴迷于细节与微观声景的构建。

根据之前谈到的创作与演出经验，我发现录音室作品如同由细微声响与质感构成的微观宇宙，更适合理性聆听层面的品味。但当音乐进入俱乐部场景时，那种带着摇滚精神的直观体验方式——具有完全不同的时间感知维度——会让这些精妙细节难以被真正感知。

您在巴塞罗那的工作室被誉为前沿创意空间。能否带我们深入了解当前的设备配置？特别是在音频工程与制作环节，哪些核心工具是您不可或缺的创作伙伴？

Davide：在我职业生涯的大部分时间里，始终在那种没有窗户的狭小工作室里创作。因此设计这个新空间时，我想要的其实是一个"藏着录音室的客厅"——不必刻意追求产出，而是先享受沉浸其中的状态，直到某个时刻突然惊觉："等等，这里不就是现成的音乐工坊？"然后创作灵感自然涌现。

虽然大量使用虚拟工具进行音频处理与声音合成，但我仍配备了丰富的硬件设备：各类合成器、鼓机组成多维度音色系统，外加成套的外置处理器阵列。

据悉您的工作室采用了Galaxy 64音频接口，我们很好奇——这款设备如何影响您的工作流程？特别是在混音与母带处理环节，其AD/DA转换器或时钟同步等特性，是否对实现您追求的声音透明度与空间深度有显著助益？

Davide：在我职业生涯的前半段，我一直在使用其他品牌的转换器，直到目睹众多同行工作室采用Antelope的方案，才决定亲自尝试——自此再未回头。其转换技术赋予声音惊人的通透度与扎实的声场定位，而Galaxy 64凭借丰富的输入输出接口，让我能同时接入几乎所有设备：既包括合成器、鼓机等音源，也涵盖均衡器、压缩器等外置处理器，彻底告别繁琐的手动跳线。

展望未来，电子音乐与科技的结合最让您振奋的是什么？是否有正在探索的新项目或创作方向，值得乐迷与业界共同期待？

Davide：以我的"Blender"项目为例，其核心理念是将某个瞬间或体验凝固为"声音实体"——试图捕捉俱乐部里的悸动时刻，让时间停驻，并将其具象化为音轨。

近来我也尝试通过施利伦摄影技术实现视觉化呈现，例如将声波转化为可视形态。这类探索最令我着迷。人工智能技术既令人神往，又暗藏隐忧。